Le documentaire présenté à Cannes par Ron Howard possède une qualité rare : il réussit à parler de photographie tout en restant profondément cinématographique.
Avec Avedon, Howard ne cherche pas à révolutionner la forme documentaire. Au contraire, il adopte une approche presque classique, chronologique, parfois même très sobre. Pourtant, cette simplicité devient progressivement la grande force du film.
Car Richard Avedon lui-même travaillait dans l’épure.
Fond blanc, lumière nette, regard frontal : tout semblait minimaliste dans ses portraits. Mais derrière cette apparente simplicité se cachait une immense violence émotionnelle. Avedon photographiait des êtres célèbres au moment précis où leur image publique se fissurait.
Le documentaire montre admirablement cette mécanique.
Howard laisse longuement les clichés occuper l’écran. Et plus le film avance, plus ces photographies semblent changer sous nos yeux. Elles cessent d’être des images iconiques pour redevenir des êtres humains vulnérables.
La Marilyn Monroe fatiguée devient presque une apparition fantomatique. Le duc et la duchesse de Windsor révèlent une inquiétude invisible. Les célébrités cessent d’être des symboles pour redevenir des corps fragiles.
Le documentaire trouve sa véritable profondeur lorsqu’il relie cette obsession du dévoilement à l’histoire personnelle du photographe.
Avedon apparaît ici comme un homme profondément hanté par sa famille. Son père sévère, distant, incapable de comprendre son fils ; sa sœur Louise, atteinte de schizophrénie, dont la beauté mélancolique deviendra une blessure fondatrice.
Howard montre très bien comment la photographie devient chez Avedon une tentative impossible : sauver les êtres par l’image.
Mais le film rappelle également l’échec fondamental de cette ambition. Photographier quelqu’un ne signifie pas le comprendre. Encore moins le sauver.
Cette contradiction donne au documentaire une mélancolie inattendue.
Le film est aussi passionnant lorsqu’il replace Avedon dans l’histoire culturelle américaine du XXe siècle. Le photographe traverse les décennies comme un témoin privilégié : glamour hollywoodien, haute couture parisienne, mouvements civiques, contre-culture, guerre du Vietnam.
Avedon apparaît alors comme bien plus qu’un simple photographe de mode. Son travail documente l’évolution psychologique de l’Amérique moderne.
Ron Howard réussit également à faire entendre la voix du photographe lui-même grâce à de nombreuses archives audio et vidéo. Cette présence constante d’Avedon évite au film de devenir un mausolée figé.
Quelques limites apparaissent néanmoins. Howard reste parfois trop respectueux envers son sujet. Certains aspects plus sombres du caractère d’Avedon sont seulement évoqués rapidement.
Mais cette retenue correspond peut-être aussi à la philosophie du film : montrer un homme complexe sans chercher à le réduire à une explication psychologique simpliste.
La grande intelligence du documentaire consiste finalement à comprendre que Richard Avedon ne photographiait pas seulement les autres.
Il se photographiait lui-même à travers eux.
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